カードゲームが大ヒットした理由　ゲームの進化をたどる（下）デジタル家電&エンタメ-最新ニュース:IT-PLUS

　日本で最初に「ゲームデザイナー」という肩書きを使い始めた鈴木銀一郎氏（74）は、「２０世紀は、アナログゲームの世界で４つの大きなイノベーションが起きた」という。今回は、そのうちの２つ「キャラクターカードゲーム」と「トレーディングカードゲーム（ＴＣＧ）」を取り上げ、ゲームの進化をたどる。（新清士のゲームスクランブル）

　前回の「『ドラクエ』へとつながるルーツ　ゲームの進化をたどる（上）」では、アナログゲームで起きた４つのイノベーションのうち、戦略シミュレーションの「ウォーゲーム」とロールプレイングゲームの原型である「テーブルトークロールプレイングゲーム」の２つが発展した1970～80年代後半の動きをみてきた。

■キャラクターを描いた「モンスターメーカー」

　この２つに続く、第３のイノベーションが「キャラクターカードゲーム」である。この分野を切り拓いたのは、鈴木氏がデザインした「モンスターメーカー」（88年）だった。

　カードゲームはウォーゲームのブームが終わるころに登場したが、最初はウォーゲームを抽象化して武器や兵士などをカードにしたものが多かった。一方で、ボードゲームの世界では、テーブルトークＲＰＧが人気だった。

　鈴木氏は新しいゲームを企画するなかで、この２つの要素を組み合わせてはどうかと考えた。「２つの違うジャンルを１つに組み合わせて新ジャンルを作る」というゲーム開発の基本的テクニックを使ったかたちである。

　モンスターメーカーは、カードを出し合いながら、ダンジョンの奥深くまで自分のキャラクターを進め、財宝を見つけて持ち帰った方が勝ちというゲームだ。自分の手札からモンスターを出して相手がダンジョンを進めるのを妨害したり、キャラクターカードで倒したりするシステムになっている。

　このゲームの革新性は、イラストレーターによるかわいらしい絵を使い「キャラクター性」を前面に押し出した点にある。今の時代であれば当たり前のような気がするが、当時のカードゲームは、無味乾燥な記号だけというのが一般的だった。

　鈴木氏が執筆した「ＲＰＧカードゲームの作り方」（マイクロデザイン）には、「好きなキャラクターは手札にあっても使わない」というプレー方針を持つ人まで出てきたというエピソードが書かれている。個性的なキャラクターを描くことで、カードはただの紙から「思い入れの対象」に変わり、新たな付加価値が生まれた。

　モンスターメーカーは大ヒットしてシリーズ化され、カードゲームにとどまらず、「ゲームボーイ」などにも移植された。その後、類似のゲームが数多く発売されるのだが、少なくとも日本においては、キャラクター性がゲームに不可欠な要素として定着することになる。

　同時に、現実世界を表現することから離れはじめ、ゲームの中だけに存在する「ゲーム的なリアリティー」を求める形へと変わっていった。

■「マジック・ザ・ギャザリング」から「遊戯王」へ

　４つめのイノベーションが、93年に数学者リチャード・ガーフィールド氏がデザインした「マジック・ザ・ギャザリング」である。このトレーディングカードゲームというシステムは、様々なバリエーションのカードをプレーヤーが好きに組み合わせて対戦する仕組みで、ゲームシステムの限りない拡張を可能にした。

　そしてビジネスとしても、１つのゲームを単体として売るだけで終わらず、各種のカードを追加発売して継続的に収益を上げることを可能にした。マジック・ザ・ギャザリングの場合、そのバリエーションはすでに数千種類にも達している。

　トレーディングカードゲームは90年代後半に日本でも大きなブームとなり、「ポケットモンスター」や「遊戯王」などが人気を呼んだ。モンスターメーカーシリーズでも発売されている。

　トレーディングカードゲームはユーザーにしてみれば、お金がかかるゲームだ。コレクションに熱中すれば、10万円単位でお金をつぎ込むことも珍しくない。逆に、メーカーからすれば原材料費は安く、ビジネスとして収益性が高い。オンラインゲームのアイテム課金はまさにこのモデルの延長にある。

　４つのイノベーションをもたらしたアナログゲームは日本ではその後、トレーディングカードゲームを除いて、ほとんどが市場から姿を消していった。リアルな対戦相手が必要という制約は大きく、多くのゲームユーザーはビデオゲームに流れた。それはアナログゲーム人気の源流となったアメリカでも同様だ。

　ちなみに、現在のアナログゲームの中心地はドイツである。95年にクラウス・トイバー氏がデザインしたボードゲーム「カタン」など優れたゲームを世界に発信し、新作ゲームが数十万個も売れるほどの人気が続いている。逆にビデオゲーム業界にとってドイツは、ボードゲームと客層がぶつかるために販売が難しい市場として知られている。

■アナログゲームに何を学ぶべきか

　アナログゲームからビデオゲームへと続く進化の系譜をたどってきたが、ゲームデザインのルーツに遡ることで新たなヒントはみえてくるだろうか。

　鈴木氏は、ビデオゲームが今壁にぶつかっているのは、「特定のジャンルに偏りすぎていることに原因があるのではないか」と考えている。それを構造的に示す手法として、ウォーゲームの世界でゲームの抽象化の度合いを分けるのに使われる「戦略級」「作戦級」「戦術級」「戦闘級」という区分を挙げる。

　たとえば戦略級は、１つの駒が１個師団や軍団（約数千～２万人）にあたり、１回の選択が数週間から数カ月間を示す。作戦級は、１つの駒が１個大隊（約500～1000人）、１回の選択が半日から１週間を示す。戦術級は、１つの駒が１人から小隊（数十人）、１回の選択が数秒から数時間という単位である。それらの駒は、記号で示されており、ゲームを遊ぶ側はかなり想像力を使うことが求められる。

　４つめの戦闘級は、個人対個人の対戦を示す単位だが、ウォーゲームで実際に使われることはあまりない。複雑な駒の動きを何分ものプレー時間と分厚いルールブックで表現する必要があるにもかかわらず、それでできるのはわずか数秒の戦いであり、あまりおもしろいものではなかったからだ。しかし、ビデオゲームの格闘ゲームでは、それを一瞬で表現できる。それこそがビデオゲームの強みでもある。

　ところが、鈴木氏から見ると「今のビデオゲームは、あまりにも戦闘級や戦術級に偏りすぎている印象がする」という。ハード性能が向上して、グラフィックスが豪華になった。しかし、プレーヤーがカード１枚からキャラクターの成り立ちを懸命に想像するといった必要がなくなった分、逆に自由な想像力を羽ばたかせる余地を奪い取っているという。

　鈴木氏は、長年の経験から、ゲームをデザインするうえで最も重要なのは、「魅力的なコンセプトを最初に考えること」と指摘する。次が「テーマ」で、最後が「テクニック」だ。「ゲームの根幹となる部分だけを残して、できるだけ要素を減らし、枝葉をそぎ落とすべきで、枝葉は風味的な要素として使うべき」。しかし、多くのゲームデザイナーは、テクニックが最も重要だと間違えがちだと、鈴木氏は指摘する。

　また、「21世紀のゲームは、１回のプレー時間が１時間を切るべき」ともいう。それ以上長いとだれてしまい、繰り返し遊んでもらえなくなるためだ。例えば、カタンは１時間で終わるように、見事に調整が施されている。

　鈴木氏は現在、今秋に発売予定の「門星明華学園　The Makers Academy」というテーブルトークＲＰＧをデザイン中だ。発売に向けて、テストプレーと調整を繰り返している。モンスターメーカーのシステムを使い、「ハリー・ポッター」のような学園を舞台に、「ごくせん」のオチこぼれたちをプレーヤーが演じるようなゲームという。通常のテーブルトークＲＰＧと違いシステムは簡素で、「プレーヤーが自由に物語を紡ぎながら、大笑いして遊べるゲームに仕上げる」と語っている。

　コンセプトを聞くだけで、人間の想像力を刺激するメディアとしてのアナログゲームの魅力が伝わってくる。

更新：7月17日 14:06デジタル家電&エンタメ：最新ニュース

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